ACRYLIQUE
GOUACHE
AQUARELLE
ALAN BEAN est né à Wheeler au Texas le 15 mars 1932. Il est un ancien astronaute américain de la NASA. En effet, le 14 novembre 1969, il était le pilote du module lunaire d'Apollo 12, devenant le quatrième homme à marcher sur la Lune. Le 28 juillet 1973 : il était le commandant de la mission Skylab 3, établissant un nouveau record de durée de vol pour l'époque, avec plus de 59 jours en orbite, ainsi que le record de durée de vol cumulée (plus de 69 jours).
Ses œuvres illustrent ses expériences en temps qu’astronaute. Chaque toile explique une situation précise de ce qu’il a vécu dans l’espace. Une éclipse extraordinaire se présente ainsi :
« Pendant que Peter Conrad, Dick Gordon, et moi repartions vers la terre à l’intérieur de notre module de commande, nous avons été témoin d’un événement qu’aucun autre être humain n’a dû vivre dans sa vie. Notre planète Terre était en train d’éclipser notre propre étoile, le Soleil. Alors que nous étions à environ 27.000 milles de notre destination, la Terre s'est déplacée pour obscurcir complètement le disque du Soleil. L'atmosphère s’est alors illuminée pour donner des bleus et des roses sur et autour de la sphère, par segments. Nous pouvions voir que nous étions au-dessus de l'Océan Indien, puis sur le bout de l'Afrique qui se déplaçait très rapidement, à presque 25.000 milles par heure. Puis, au centre du disque de la terre, il y avait quelque chose de rond très lumineux. Il semblait se déplacer rapidement à travers les nuages et l'eau. C’est seulement plus tard que l'astronaute Schweickart, maintenant retraité, nous a dit que l’étrange lumière mobile était une réflexion de notre propre lune, qui était directement derrière nous puisque nous l’avions quitté il n’y avait que quatre jours. »
BERNARD RANCILLAC est né à Paris en 1931. Chef de file de la « Figuration narrative » dans les années 60 avec Erró, Monory, Klasen et bien d’autres, Rancillac a toujours gardé un esprit critique et réfléchi sur notre société et le monde. « À l'origine de toute création artistique, il faut une émotion. Très souvent, chez moi, elle est de nature politique, même quand je peins des Mickey, des musicien de jazz, des voitures ou des stars de cinéma. Je l'ai découvert quand j'ai décidé de faire les toiles sur l'année 1966. »
C’est un peintre qui a su dépasser rapidement la servilité envers le document photographique et recréer la forme par la transposition de l'espace et de l'éclairage photographiques en termes picturaux. Le chromatisme se répartit par plans contrastés aux arêtes vives. Leur agencement dans l'organisation spatiale de la toile obéit toujours à un sens aigu du rythme et de cadences que pourraient envier bien des praticiens de l'abstraction géométrique. Cette attitude stylistique situe la figuration de Bernard Rancillac à proximité de l'abstraction froide du hard edge. Elle l'oppose, en tous les cas, aux figurations des années 1950 qui esquivaient les inquiétudes du présent et qui restait dans l'expression d’un passé dépourvue de sens, d'une rusticité perdue. L'art de Rancillac se place donc au confluent de l'histoire de l'art et de l'histoire, et il lui sera toujours reconnu le mérite d'avoir, avec obstination sans compromis, dans le refus du conformisme pictural, voulu dire la vie par l'art et réintroduire l'art dans la vie par les médias les plus accessibles à ceux qui sont les plus démunis devant l'art.
CHRISTOF MONNIN est né à Montbéliard en 1968. Peintre autodidacte, il a exposé pour la première fois à l'âge de 17 ans et remporta son premier prix. Adepte d'une peinture très lumineuse, il nous offre un travail ou sa palette est gorgée de rouges se mariant à des jaunes d'or avec excellence. Travaillant le plus souvent au couteau, il offre à ses formes une certaine violence, ce qui a pour cause de rendre son œuvre d'un réalisme exceptionnel, comme si le vent du sud venait caresser ses toiles. Monnin, perfectionniste dans l'âme, ne s'arrête jamais de chercher afin d'approfondir son travail. C'est pourquoi, sur son chevalet se croisent différents styles de toiles mais toutes ont un point commun : la main qui les a faite ne trahit pas le coup de génie du peintre.
KAZIMIR MALEVITCH est né à Kiev, en Ukraine, le 23 février le 1879 et est décédé le 15 mai 1935 à Léningrad. C’est un des premiers artistes abstraits du 20e siècle. Peintre, dessinateur, sculpteur et théoricien, Malevitch fut le créateur d'un courant artistique dénommé par lui : « Suprématisme ». Après des études aux Beaux-arts de Kiev, il rencontre en 1895 les peintres Larionov et Gontcharova, dont les œuvres mêlant l’art populaire russe aux dernières innovations formelles de l’art moderne (Fauvisme, Cubisme, Futurisme) auront une influence déterminante sur ses premières œuvres (Le Bûcheron, 1912). Son âme russe transparaît dans les paysages et les scènes de la vie quotidienne avec une dominante du rouge et du vert, couleurs des icônes. Les gouaches des années 1910-1911 sont influencées par le Fauvisme mais aussi par le Primitivisme. Dans les années 1912-1913, il produit aussi des toiles Cubistes et Futuristes.
De 1913 à 1915, il s’inspire de la poésie zaoum, ou alogique, et des collages cubistes pour réaliser des œuvres composites (Un Anglais à Moscou, 1914). L’artiste évolue alors vers l’abstraction pure comme univers absolu et mystique, et s’intéresse au « zéro des formes ». Dans la série Carré blanc sur fond blanc, en 1918, les formes n’apparaissent plus que par une différence de matité.
Par la suite, partisan enthousiaste de la révolution russe, Malevitch devint professeur. L’artiste se rapproche ensuite dans les années 1920 des membres du Bauhaus allemand, avant de connaître dans son pays une certaine disgrâce. Tournant ainsi le dos au suprématisme, il se consacre à la fin de sa vie au portrait (Autoportrait, 1933) et au paysage.
PABLO PICASSO est né à Malaga le 25 octobre 1881 et est mort le 8 avril 1973 à Mougins. Il a commencé la peinture dès son plus jeune âge et réalisé ses premiers tableaux à huit ans. Les années 1901-1903 correspondent à sa « Période bleue ». Elle tire son nom du fait que le bleu est la teinte dominante de ses toiles à cette époque, qui a débuté avec le suicide de son ami Carlos Casagemas ce qui explique qu'elle soit marquée par les thèmes de la mort, de la vieillesse et de la pauvreté. Saltimbanques, mendiants, aveugles et mères esseulées peuplent alors l'oeuvre de Picasso, ce qui ne l’empêche pas de réaliser aussi des tableaux dont les thèmes sont issus de mouvement symboliste de la fin du XIXe siècle. À partir de 1904, c'est le début de la « Période rose ». Comme précédemment, c'est l'utilisation des teintes rosées dominantes qui explique cette dénomination. Les thèmes abordés restent mélancoliques et dominés par les sentiments ; on y trouve aussi de nombreuses références au monde du cirque. Picasso privilégia pendant cette période le travail sur le trait, le dessin, plutôt que sur la couleur. De 1907 à 1914, il réalise avec Georges Braque des peintures qui seront appelées cubiste, dont ils sont les fondateurs. Elles sont caractérisées par une recherche sur la géométrie et les formes représentées : tous les objets se retrouvent divisés et réduits en formes géométriques simples, souvent des carrés. Cela signifie en fait qu'un objet n'est pas représenté tel qu'il apparaît visiblement, mais par des codes correspondant à sa réalité connue. L'oeuvre fondatrice du cubisme est Les Demoiselles d'Avignon, une représentation de prostituées dénudées de la rue d'Avignon, à Barcelone. Picasso revient ensuite pendant quelques années au figuratif, avec notamment des portraits familiaux. Dans les années 1920, il se rapproche du mouvement surréaliste — les corps représentés sont difformés, disloqués, monstrueux — mais d'un surréalisme personnel.
Né en 1902, WIFREDO LAM est un artiste Cubain d'origine chinoise qualifié classiquement. Vers la fin des années 1930, il voyagea en Espagne pour essayer de peindre dans un environnement moins contraint académiquement. En 1938, il se déplaça vers Paris où il rencontra et travailla avec Picasso. En 1941, avec les problèmes entre la France et l'Allemagne, il revient à Cuba où il développa un style primitif Afro-Cubain en peinture. Ce style est particulièrement exploité dans ses célèbres toiles La jungle (1943) et Zambezia, Zambezia (1950) qui seront présentées partout dans le monde. En 1964, il reçu le prestigieux prix internationale de Guggenheim pour son travail. Dans sa vie postérieure, Lam a vécu et a travaillé à son studio en Italie, mais est mort à Paris en 1982.
La jungle, qui est considérée comme un chef d'oeuvre, est le résultat du style mûr de l'artiste. Le polymorphisme, pour lequel Lam est bien connu, juxtapose des aspects d’humains, d’animaux et de plantes, créant des créatures monstrueuses et hybrides. La composition dense crée un sentiment de claustrophobie parce qu'il demeure difficile de différencier les formes. On dénote aussi les membres allongés des figures, alors que l'accent est surtout mis sur leurs grands pieds, fesses rondes, et têtes masquées d’inspirations Africaines. En plus, la qualité iridescente des formes augmente le sentiment tropical de la peinture.
La jungle n'a pas été cependant prévue pour décrire le primitivisme Cubain. En revanche, l'intention de Wifredo Lam était de dépeindre un état spirituel, de mettre en lumière l'absurdité qu’est devenue la culture Afro-Cubaine et plus spécifiquement le chemin que leurs traditions a pris en raison de la dépréciation des touristes. Il a cherché à décrire la réalité de ses personnes par rapport au pouvoir du travail.
PAUL KLEE est né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee, près de Berne et est mort le 29 juin 1940. Il a vécu dans une famille de musiciens et a été initié très jeune à l’art et à la musique. Il a étudié l’art à l’Académie des Beaux-Arts de Munich, puis, après un voyage en Italie, rencontra Vassili Kandinsky, Franz Marc et s’associa au Blaue Reiter.
En 1914, lors d’un voyage en Tunisie, Klee fut très impressionné par la qualité de la lumière et des couleurs, et restera marqué par cette vision. Il utilisa alors de nombreux types de médiums, huile, aquarelle, encre, qu’il combina souvent dans ses œuvres.
Régulièrement associé à l’Expressionnisme, au Cubisme ou au Surréalisme, l’œuvre de Klee est en réalité difficile à classifier. On leur reconnaît généralement une certaine qualité fragile et enfantine, et une allusion à la poésie, à la musique et aux rêves. La géométrisation des sujets, la recherche de perfection dans la matière et la couleur sont sublimées par le souci de préserver l’intuition. Les œuvres plus tardives se caractérisent par de rapides symboles hiéroglyphiques.L’artiste se rapproche ensuite dans les années 1920 des membres du Bauhaus allemand, avant de connaître dans son pays une certaine disgrâce.
RAOUL HAUSMANN est né le 12 juillet 1886 à Vienne, en Autriche, et est mort le 1er février 1971 à Limoges (Haute-Vienne). À l’âge de quatorze ans, il se déplace pour Berlin avec ses parents. Il reçoit sa première formation de peinture de son père. En tant que jeune homme, Raoul Hausmann était intéressé par le mouvement expressionniste qui naissait en Allemagne. Mise à part la peinture, Hausmann était très intéressé par la philosophie et la littérature et édita plusieurs articles et poésies dans les magazines culturels. En 1917, il rencontra la pensée et les idées dadaïstes, mais demeura un disciple convaincu de l’Expressionisme. En 1918, les premières soirées Dada, auxquels Hausmann, Huelsenbeck, Heartfield et Grosz ont participé, ont eu lieu. Hausmann développa un processus de photomontage et imprima sa première affiche et ses poésies phonétiques. En 1920, la fin du mouvement Dada devient imminente.
Après 1920 et pendant les années qui précèdent la Seconde Guerre mondiale, il se consacra beaucoup à la photographie mais aussi à l'écriture, en particulier à son roman Hylé. Réfugié à Peyrat-le-Château pendant la guerre, il s’installe en 1944 à Limoges, en France. Il y vécu en isolation jusqu'à sa mort en 1971.
VASSILI KANDINSKY est, aux côtés de Piet Mondrian ou Kasimir Malevitch, l’un des premiers peintres et théoriciens de la peinture abstraite. Né en 1866 à Moscou dans une famille cultivée, il suit des études de droit et d'économie, tout en s’intéressant tant à la musique qu’à la peinture et aux arts traditionnels russes.
Ce n'est qu'à l'approche de la trentaine, en 1895, que Kandinsky connaît la puissante révélation de l'art moderne en découvrant dans une exposition à Moscou les toiles impressionnistes de Monet. Le jeune homme décide alors de se consacrer à la peinture, et l'année suivante s’établit à Munich, important centre artistique de l’époque. Il y fonde le groupe Phalanx, actif dans les premières années du 20e siècle.
Les premières œuvres de Kandinsky montrent la Russie ancienne hérissée de tours à bulbes et peuplée de cavaliers, et relèvent plastiquement du pointillisme de Seurat, tout en étant teintées de symbolisme. Installé à Paris en 1906, l'artiste entre en contact avec la peinture fauve : ses toiles se teintent alors de couleurs pures. En 1910, de retour en Bavière, l’artiste rédige le célèbre Du Spirituel dans l’art, où il analyse la résonance spirituelle de la peinture et insiste sur la nécessité de s’affranchir de la nature. Kandinsky exécute à la même période sa première aquarelle abstraite, puis va peindre des Impressions, Improvisations et Compositions d’inspiration musicale, spirituelle et cosmique. En 1914, Kandinsky est forcé de rentrer à Moscou. Les années de guerre sont pour l'artiste synonyme de difficultés matérielles et morales. En 1921, il quitte le pays pour accepter d’enseigner au Bauhaus de Weimar. Au contact des théories du Bauhaus dirigé par Walter Gropius, la peinture de Kandinsky s'oriente alors nettement vers l'abstraction géométrique.
En 1933, les œuvres de Kandinsky sont condamnées par le régime nazi : l’artiste et son épouse s'exilent en France, où il mourra. Ses dernières toiles d'une grande gaieté, inspirées par Miro, explorent une abstraction biomorphique foisonnante, qui évoque une atmosphère irréelle peuplée d’êtres microscopiques.
Les Médiums pour Peindre